LA MERVEILLEUSE VOIE DES FORCES
Lorsque j’étudiais la philologie allemande à l’Université de Tampere au début des années 90, j’avais plusieurs héros dans les domaines de la littérature, de la philosophie et des arts allemands. Pour moi, le poète autrichien Rainer Maria Rilke (1875–1926) était de loin l'étoile la plus brillante. Il était également celui qui m’accompagnait au lit, plus ou moins chaque nuit. Je relisais inlassablement les Élégies de Duino (Duineser Elegien, 1922) et m’émerveillais de sa déclaration selon laquelle « chaque ange est horrible ». J’ai voyagé à Paris pour visiter le Jardin des Plantes, où Rilke écrivit son célèbre poème sur une panthère dans une cage, qui laisse parfois entrer une image du monde extérieur dans sa perception visuelle, jusqu’à ce que cela cesse dans le cœur (Le Panther, 1903).
Une phrase spectaculaire de son poème Torse archaïque d'Apollon (Archaïscher Torso Apollos, 1908) – « Tu dois changer ta vie » – résonne comme un impératif dans ma tête, même aujourd'hui. Il est donc tout naturel que la dernière exposition que j’ai curatée pour le Finnland-Institut, maintenant que mon travail s’achève là-bas, s’inspire de mon poète préféré. Notre nouvelle exposition Visiting Art/ists 2024 s’intitule Ich finde dich in allen diesen Dingen – Je te trouve dans toutes ces choses. Rilke a écrit son poème hautement existentiel portant le même titre il y a exactement 125 ans à Berlin. Il a été publié quelques années plus tard dans Le Livre des Heures (Das Stunden-Buch, 1905). J’interprète personnellement ce texte comme une tendance à découvrir les traces de ceux que nous avons aimés, qui ont pu exister dans nos vies avant de s’en aller ou de disparaître, dans les objets et sensations – physiques ou métaphysiques – qui nous entourent. Nous les trouvons dans toutes ces choses : dans des images, des peintures et des livres ou dans des parfums et des sons, à travers tous nos sens. Il est possible que Rilke ait trouvé le divin dans la nature, peut-être dans les arbres qu'il décrit si magnifiquement.
Pour l'exposition du Finnland-Institut, nous avons rassemblé six artistes, principalement basés à Berlin, ayant soit des œuvres existantes en résonance avec le sujet, soit des interprétations entièrement nouvelles. Pour beaucoup, le poème de Rilke a servi de point de départ pour les œuvres commandées créées pour cette exposition collective qui occupe désormais nos locaux de Friedrichstraße, à Berlin. Elles apportent plaisir et réconfort à ceux qui visitent l'exposition. Notre programme Visiting Art/ist n’est pas une résidence, mais plutôt une idée visant à offrir aux artistes l’opportunité de présenter leur travail dans un espace propice à des rencontres diversifiées. Les artistes ayant participé au programme, par ordre chronologique, sont : Ville Kylätasku, Anna Retulainen, Anni Leppälä, Niina Lehtonen Braun, Markus Jäntti, Helena Kauppila, Jukka Korkeila, Isabella Chydenius, et maintenant Jussi Goman, Jussi Jääskeläinen, Laura Kärki, Antti Pussinen, Jarkko Räsänen et Elsa Salonen.
J'espère que vous apprécierez ce livre que nous avons réalisé pour vous et que vous aurez l'occasion de nous rendre visite à Berlin. Ich finde dich in allen diesen Dingen – Je te trouve dans toutes ces choses sera en exposition jusqu’en novembre 2024.
Mika Minetti
Responsable de la culture, Finnland-Institut
Elsa Salonen (née en 1984 à Turku, Finlande) utilise diverses techniques pour créer des pigments naturels qu'elle applique dans ses installations et ses peintures. Elle traite minutieusement les matériaux qu'elle choisit, allant du broyage de coquillages et de météorites à la distillation de couleurs à partir de fleurs. Salonen est connue pour son interprétation artistique des connaissances alchimiques et pour la profondeur avec laquelle elle utilise la vie et la mort comme l'un des thèmes centraux de ses œuvres. Elle a exposé à Berlin, Bogotá, Copenhague, Helsinki, Innsbruck et Séoul, entre autres, et ses œuvres sont présentes dans les collections du musée d’art Wäinö Aaltonen (FI), de la Saastamoinen Foundation (FI) et du musée d’art contemporain de Lissone (IT), par exemple.
MIKA MINETTI Dans notre exposition Je te trouve dans toutes ces choses, nous avons quelques-unes de tes installations. Pourrais-tu nous en dire un peu plus ?
ELSA SALONEN L’installation Nature morte avec des fleurs (entonnoirs de séparation) de 2023 fait partie d'une section dite des fleurs coupées de ma pratique. Pour ces œuvres, je distille des couleurs à partir de fleurs, préserve les teintures de diverses manières et blanchis les plantes pour les rendre entièrement blanches. La technique repose sur l’idée que la plupart des organismes, tant dans le règne végétal qu'animal, semblent perdre leurs couleurs dans la mort – les fleurs se fanent et les corps blanchissent. Ainsi, toutes les couleurs de la nature signalent la présence d'une force vivante. Le résultat dans mes peintures en trois dimensions est une séparation poétique de l'énergie vitale éclatante (les couleurs préservées) de leurs corps vides et pâles (les fleurs blanchies).
L'œuvre Quatre-vingts modestes déclarations sur l'impossibilité de la mort (2013), quant à elle, est un herbier peint de 80 espèces de plantes. Dans cette exposition, je montre une sélection d'environ 20 à 30 des peintures. Les images des plantes ont été peintes avec des os de renard que j'ai brûlés et broyés en pigment. Avec cette œuvre, je m'interroge sur la façon dont, à un certain niveau, la mort n’existe pas ; les êtres vivants seront recyclés indéfiniment en tant que matière.
La vie prend simplement de nouvelles formes, les plantes poussent à partir de corps morts, et ainsi de suite. En 2013, ces peintures étaient pour moi un moyen de traiter la récente mort d'un bon ami. Partout où nous nous étions rencontrés, un renard apparaissait souvent.
MM Comment décrirais-tu ta pratique artistique ?
ES Je prépare les pigments pour mes œuvres en broyant une grande variété de matières premières telles que des pierres, des météorites, des coquillages et des os d'animaux, ainsi qu’en extrayant des couleurs de plantes et d'algues. Chacun des matériaux contient une connaissance particulière. Je considère les pigments comme des collaborateurs, dont les « expériences » définissent le message conceptuel de chaque œuvre. Ma pratique s’inspire des traditions de la peinture, de l'installation et de l'art conceptuel, et les œuvres sont marquées par les influences de la science, de l'animisme et de l'alchimie. Les alchimistes médiévaux étudiaient les matériaux naturels, qu'ils utilisaient également pour fabriquer des couleurs. À travers les matériaux, ils cherchaient à comprendre l'univers qui les entoure ainsi que l’interconnexion de tout dans le cosmos et le rôle de l’individu parmi tous les autres ; soi-même. L'une des étapes les plus importantes de l'alchimie était la distillation répétée, qui laissait l'essence la plus pure de la substance – et de l'alchimiste – dans le flacon de verre.
MM À quoi ressemble ton processus créatif ?
ES Un nouveau corpus d'œuvres est généralement le résultat d’un processus d’environ deux ans. Il commence souvent de manière très intuitive avec des visions ou des idées faibles et répétitives qui éveillent quelque chose en moi. J'essaie ensuite de les comprendre en cherchant des livres, des films, etc. sur le sujet. En même temps, je collecte des matériaux liés à partir de sites naturels comme des forêts, des plages et des champs, ou auprès de spécialistes – comme dans le cas des météorites et des fleurs coupées. Ensuite, je prépare des couleurs à partir de la matière collectée et teste comment peindre avec les pigments ainsi créés. Avec chaque nouveau matériau que j'utilise, je dois réinventer toutes les techniques, donc c’est un processus très chronophage. De plus, je conçois moi-même les supports en métal pour les œuvres. Et bien sûr, entre toutes ces étapes, je crée les œuvres d'art elles-mêmes !
Traduire par Yan Le Clézio en français à partir de la version anglaise
