Les fossiles sont plus anciens que ce que nous pouvons même imaginer des séquences de temps. Imaginez qu'ils puissent parler. Ils conservent des informations historiques sur notre planète, qui semble se désagréger en ce moment même, à l'ère de l'anthropocène – l'ère humaine. Cette époque actuelle se caractérise par l'énorme impact des êtres humains sur les écosystèmes terrestres et sa géologie. À la lumière du futur dystopique que cette ère promet, il ne semble nous rester que deux types de réactions : la résignation ou l'activisme. L'artiste finlandaise basée à Berlin, Elsa Salonen, a choisi cette dernière voie, et son activisme – qui est une part essentielle de sa recherche artistique – consiste à donner une voix à la terre et à tous ses matériaux naturels. Elle distille des couleurs à partir de fleurs et extrait des pigments de pierres ; elle utilise des os, de la terre, de la poussière de météorite et de l'eau de mer provenant de divers endroits de la planète pour révéler quelque chose sur le savoir que ces matériaux renferment. Dans notre entretien, que nous avons initialement commencé en 2015 et poursuivi en 2019, Elsa m’a expliqué comment elle rend productives les traditions d’animisme et les processus d’alchimie pour sa pratique artistique.
Anna-Lena Werner : Elsa, depuis plusieurs années, votre travail aborde les aspects de l'anthropocène. Comment vous positionnez-vous dans ce discours ?
Elsa Salonen : Bien que la recherche sur l'anthropocène puisse sembler déprimante, j'adopte une approche très positive à son égard. Ma façon de traiter ce vaste sujet passe par l'animisme. Nous avons de nombreuses traditions saines dans notre relation à la nature, que j'essaie de revitaliser. L'art est un bon outil pour cela, car je peux librement choisir mon point de vue. Non seulement en Finlande, d'où je viens, mais aussi ailleurs, il existe des religions traditionnelles de la nature et des personnes qui considèrent les créatures non humaines, comme les pierres, les arbres ou les lacs, comme des êtres égaux dotés de leur propre conscience.
ALW : Comment les traditions finlandaises qui reconnaissent la nature ont-elles influencé votre pratique ?
ES : Elles influencent probablement mon approche générale de la nature et de l'inhumanité, ainsi que ma perception de l'animisme. Le terme a également été connoté négativement, car des traditions colonialistes ont manifesté un mépris pour les peuples autochtones qui croient souvent en la spiritualité des êtres non humains. L'auteur anglais Graham Harvey a été une source précieuse pour moi, car il a réinventé le discours sur l'animisme, arguant que sa connaissance ou sa sagesse sont nécessaires en cette période de crise climatique. Certaines de mes œuvres sont directement liées à la Finlande, mais la plupart traitent des phénomènes d'animisme à l'échelle mondiale.
ALW : Y a-t-il une raison particulière ou personnelle qui vous a amenée à travailler avec l'animisme ?
ES : Quand j'avais environ six ans, il y avait un endroit particulier avec une grande pierre dans la forêt proche de chez nous. C'était mon refuge – l'endroit où je me rendais lorsque je me sentais confuse ou triste. Cela m'apportait du réconfort et j'ai commencé à ressentir une forte connexion avec cette pierre et cet endroit. Lorsque j'ai découvert pour la première fois des textes sur l'animisme plus tard dans ma vie, j'ai été heureuse de lire des mots décrivant des habitudes que j'avais enfant.
ALW : Une exposition récente que vous avez tenue cette année à la Schwartzsche Villa à Berlin-Steglitz était intitulée "Histoires racontées par des pierres" (2019) – est-ce lié à ces souvenirs d'enfance ?
ES : C'était en partie lié. Au cours des dernières années, j'ai travaillé avec plusieurs matériaux naturels, de la poussière de météorite à la cendre volcanique, des fleurs et des plantes médicinales aux os de renard, mais je n'avais pas encore travaillé avec des pierres. Dans l'exposition que vous mentionnez, il y avait de nombreuses peintures réalisées avec des pigments extraits de pierres minérales. La plupart de ces minéraux sont beaucoup plus anciens que l'humanité ; ils peuvent nous fournir des informations. Les géologues ont découvert la plupart des connaissances que nous avons sur la planète Terre grâce à la recherche sur les pierres et les fossiles. D'un point de vue animiste, apprendre des pierres, c'est communiquer avec elles, comme nous le ferions avec une grand-mère qui nous raconte le passé. Que nous diraient les pierres si nous avions un langage commun ? Lier les connaissances scientifiques et spirituelles des pierres était au cœur de cette exposition. Les deux aspects expriment leur sagesse, mais de manières très différentes.
Elsa Salonen, "Peinture de fleurs, l'acte d'immortaliser un bouquet décoloré et ses couleurs distillées", isomalt, verre ; 2017 © l'artiste
ALW : Vous transformez souvent la consistance solide des matériaux, en les broyant, en les cuisant ou en extrayant des pigments. Pourquoi les faites-vous passer par ce voyage à travers différentes formes ?
ES : J'ai eu un tournant dans mon travail il y a environ sept ans. Auparavant, je peignais à l'huile sur du Plexiglas, désireuse d'exprimer l'évanescence des couleurs lorsque les êtres meurent. Cela me semblait toujours insatisfaisant de simplement illustrer ce processus. J'ai fait une pause et lu des textes alchimiques, ce qui m'a conduite à expérimenter directement avec les matériaux. Expérimenter signifiait également faire bouillir des fleurs et brûler des os pour en extraire les couleurs. Le premier matériau naturel dont j'ai extrait la couleur était une fleur du jardin du programme de résidence Künstlerhaus Schloß Wiepersdorf, au sud de Berlin. En général, je réalise ces processus moi-même, mais pour la dernière exposition, j'avais besoin de nombreuses nuances provenant de pierres minérales. La société familiale de pigments Kremer, située au sud de l'Allemagne, m'a aidée pour les couleurs, car elle possède une grande expérience et l'équipement technique adéquat.
ALW : Avez-vous trouvé les pierres et les avez-vous envoyées à l'usine ?
ES : Non, la plupart des pierres et des pigments utilisés pour cette exposition provenaient de la collection familiale, qu'ils ont constituée pendant des décennies et rassemblée à travers le monde. D'autres matériaux, je les ai collectés moi-même, comme l'ocre de Colombie, qui ressemble plus à une terre molle que je peux broyer moi-même.
ALW : Vous avez récemment effectué de nombreuses résidences, comme celle que vous venez de mentionner, en Colombie. Sur quel projet avez-vous travaillé là-bas ?
ES : Avant le voyage, je savais seulement que je voulais travailler comme d'habitude, en collectant des matériaux naturels locaux et en les transformant en couleur. Lorsque je suis arrivée à Carthagène, sur la côte nord de la Colombie, j'ai réalisé que la chose la plus visible dans la nature était les déchets plastiques. Cela m'a fait me demander si je voulais vraiment utiliser des déchets dans mon travail, ce qui m'a amenée à la question de la frontière entre ce qui est naturel et ce qui ne l'est pas. J'ai fini par utiliser les déchets plastiques des plages et leurs pigments en référence à une tradition appelée "Picó", typique du nord de la Colombie. Le "Picó" fait référence à la tradition afro-colombienne d'un système sonore installé avec des haut-parleurs colorés et personnalisés, placés dans les rues pour jouer de la musique de danse à volume élevé. Extraire les couleurs du plastique m'a permis de générer des tons néon, que je ne peux pas produire avec des matériaux naturels. Pour mon projet, j'ai construit une installation avec mon "Picó" et l'ai décorée avec de nombreux objets trouvés. Un groupe de musique local, appelé "Electromagnético", a créé une chanson pour le haut-parleur. L'installation s'appelle "La voz del paisaje" (2018), ce qui signifie "la voix du paysage". Il s'agit de revendiquer les droits de la nature.
ALW : La question de la frontière entre ce qui est naturel et ce qui ne l'est pas est assez ambiguë, surtout puisque les déchets plastiques deviennent de plus en plus une partie de nous et de nos corps. Si l'on considère cela d'un point de vue animiste, comment pouvez-vous communiquer avec le matériau plastique ?
ES : Je pense qu'il est bon de ne pas être trop romantique à propos de la nature et de la manière dont elle se définit. Par exemple, lorsqu'un arbre est transformé en table en bois. Personnellement, je ressens que le matériau naturel perd un peu de sa conscience à chaque processus de transformation. Peut-être existe-t-il une sorte de conscience, même si ce n'est qu'à un niveau atomique. Personne ne sait vraiment, tout comme personne ne sait où se trouve réellement la conscience humaine. S'il y a une conscience dans le plastique, elle a déjà subi un long chemin de transformations.
ALW : Avant votre projet "Picó", vous avez participé à une autre résidence en Colombie, appelée Lugar a Dudas à Cali...
ES : ...Oui, là-bas, j'ai travaillé avec des plantes médicinales utilisées contre les rhumes, les douleurs d'estomac et bien d'autres maladies. J'ai été émerveillée par la sagesse de ces plantes, capables de guérir des maladies humaines. J'ai joué avec l'idée que les plantes peuvent avoir une connaissance du corps humain à travers l'infinité de la circulation de la conscience dans les atomes : lorsque quelque chose meurt, des plantes et des animaux peuvent en surgir et ce processus se poursuit depuis le premier jour de la Terre. Tout est lié.
ALW : Dans votre travail, vous abolissez distinctement les hiérarchies et traitez chaque être ou matériau sur un même plan. Comment cela s'est-il manifesté lorsque vous avez travaillé avec des os ?
ES : L'un de mes projets, intitulé "Quatre-vingts déclarations modestes sur l'impossibilité de la mort" (2013), a été réalisé avec des os de renard que j'ai brûlés et transformés en pigments. À partir de cette couleur, j'ai réalisé 80 peintures de plantes. Ce projet était lié à l'idée que la mort est impossible, puisque nous serons recyclés indéfiniment en tant que matériau. Des plantes pousseront à partir d'un renard mort, une nouvelle vie apparaîtra et le matériau subsistera sous une forme ou une autre. Peut-être que c'était aussi un moyen pour moi de faire le deuil d'un bon ami qui est décédé juste avant ce projet.
ALW : Lorsque vous transformez des pigments en motifs sur des peintures, vous ajoutez une nouvelle couche, comme dans votre propre conscience créative, au matériau existant...
ES : ... Je considère en réalité cela comme une sorte de collaboration. Ce que j'ajoute est lié à la sagesse que possède le matériau – les pierres minérales vieilles de 300 millions d'années, les os d'un animal mort, les plantes. Les motifs et les couleurs sont liés à leur connaissance. Ce sont leurs règles, combinées à ma contribution et mes mouvements.
Elsa Salonen, "Nous sommes tous faits de poussière d'étoiles (Hémisphère Nord)", détail ; poussière de pierre et de météorite en fer sur verre, 2017 © l'artiste
ALW : La relation entre motif et pigment devait être différente dans l'exposition "Histoires racontées par les pierres", puisque vous n'avez pas collecté la plupart des pierres minérales vous-même.
ES : Je pense que mes œuvres peuvent être réparties en deux groupes. Celles qui traitent de thèmes plus universels sont réalisées avec des pigments que je n'ai pas moi-même recueillis dans la nature, comme les peintures de météorites ou les pièces réalisées à partir de fleurs coupées. Le deuxième groupe d'œuvres, souvent produites lors de résidences artistiques, aborde des thèmes plus locaux, comme "Buni Buana (Monde caché)" (2014-2015) d'Indonésie ou les œuvres que j'ai réalisées en Colombie. "Histoires racontées par les pierres" appartient à la première catégorie. Pour l'exposition, j'ai peint sur verre des espèces de plantes éteintes qui existaient dans les forêts tropicales du Carbonifère, il y a environ 300 millions d'années dans l'hémisphère nord. Les pierres que j'ai utilisées comme pigments pour les peintures existaient déjà à cette époque, contrairement aux humains.
