Un extrait sur le site : Arterritory.com
06/03/2019
L’exposition personnelle de Jaan Toomik, intitulée « Ma Fin Est Mon Début. Et Mon Début Est Ma Fin », a ouvert ses portes le 13 février et se poursuivra jusqu’au 24 mars au Musée d’Art Moderne de Moscou. Le titre de cette exposition fait référence à un rondeau du poète et compositeur français du XIVe siècle, Guillaume de Machaut, dans lequel une composition musicale entière est répétée, note par note, à l’envers. Le motif de la récurrence est l'une des formes d'organisation intérieure établies dans les œuvres de Toomik, tandis que l'idée du caractère cyclique de la vie et son union avec la mort sont des thèmes clés de son art. Jaan Toomik est sans doute l'artiste estonien le plus reconnu à l'international.
Les expositions personnelles et collectives de Toomik ont été présentées sur des plateformes artistiques de premier plan telles que le Centre Georges Pompidou (Paris, 2012), le MUMOK (Vienne, 2009), la Galerie nationale du Jeu de Paume (Paris, 2000), le Hamburger Bahnhof (Berlin, 1999-2000), la 22e Biennale d'Art de São Paulo (1994), Manifesta 1 (1996), les 47e et 50e Biennales de Venise (1997 ; 2003), la 4e Biennale de Berlin (2006), etc.
Jaan Toomik. Danser avec Père. Image vidéo. 2003
Jaan Toomik devant un autoportrait en 2007. Photo : Marina Pushkar.
Quel a été votre premier contact avec Jaan Toomik ? Comment vous êtes-vous rencontrés ?
C’est intéressant de s’en souvenir. Il est difficile de préciser le moment de notre première rencontre. Cela remonte probablement à la première Manifesta en 1996. Je l’ai rencontré alors qu'il montait l'exposition où il présentait son œuvre Dancing Home. De nombreuses autres rencontres ont suivi, y compris celles liées à nos projets communs. Qu’est-ce qui vous intéresse chez Jaan Toomik en tant que commissaire d’exposition ?
Dans une certaine mesure, le thème post-soviétique et post-communiste a toujours été au cœur de mon travail en tant que commissaire. En ce sens, je n'ai jamais cherché à rejeter mes racines. Au contraire, je les considère comme ma meilleure ressource dans le milieu professionnel international : elles me donnent de l’énergie et du matériel, et déterminent ma perception de la situation mondiale sous cet angle. Par conséquent, Jaan, en tant qu'étoile brillante de la scène artistique balte, est évidemment très attrayant et compréhensible pour moi. En tant que Moscovite ayant travaillé dans le contexte moscovite, j’ai toujours été intéressé par les artistes des pays voisins qui abordaient également les mêmes thématiques que celles que j’explorais dans mon environnement immédiat. Cependant, leurs approches de ces sujets étaient souvent totalement différentes. C’est pourquoi j’ai été intrigué par des artistes d'Asie centrale, par exemple, qui ont beaucoup travaillé sur l’expérience sociale post-soviétique, sur le traumatisme post-soviétique, mais l’ont fait de manière complètement différente. Jaan Toomik constitue un exemple similaire : bien sûr, son travail, dans une large mesure, se rapporte à l'Actionnisme moscovite – à ce que faisaient Osmolovsky, Kulik et Brener. C’est aussi de l’Actionnisme, du chamanisme, un geste radical, une transgression. En même temps, tout cela était réalisé avec des intonations, des motivations et des solutions imaginatives qui étaient étrangères au contexte russe. Ce qui est également curieux, c’est qu’un bon nombre d’artistes des années 1990, avec lesquels Toomik pourrait être comparé, font aujourd’hui quelque chose de complètement différent ou ont changé de sphère et sont moins actifs dans le domaine de l’art.
Dans cette perspective, Jaan est unique car il reste un artiste très actif qui évolue et change, et qui a dépassé ce qu’il faisait dans les années 1990, lorsqu’il cultivait des gestes si clairs, brutaux et directs.
Aujourd’hui, Jaan travaille de manière incomparablement plus complexe et sophistiquée, et dans différents formats et genres ; par exemple, il s’intéresse passionnément au cinéma artistique. Bien que tout cela soit vrai, il conserve néanmoins cette impulsion des années 1990, qu’il partageait avec de nombreux autres artistes moscovites.
Jaan Toomik. Cascade. Image vidéo. 1'45", DVD, 2005
Ne pensez-vous pas que, dans le cas des Actionnistes russes, la question porte souvent sur une certaine attaque contre le monde extérieur – une intervention dans celui-ci et dans son ordre, tandis que les gestes radicaux de Toomik sont dirigés vers lui-même, vers son propre monde intérieur : souvenirs, tourments, pertes...?
Vous avez raison ; les artistes russes n’exhibent pas une note existentielle aussi poignante. Peut-être peut-on le remarquer chez Aleksandr Brener, qui a réalisé des œuvres en rapport avec son père et d’autres adressées à sa femme. Il avait en effet cette “intimité”, mais Brener a par la suite tenté de détourner ces thèmes vers l’idéologie – de les lier à la politique. Il a cherché à insérer cette angoisse existentielle dans les thématiques contemporaines du discours critique international (principalement occidental). Osmolovsky, quant à lui, a été dès le début un artiste doctrinaire et politique. Son radicalisme faisait directement appel à Guy Debord et à la tradition des années 1960–début des années 1970. Même si Toomik possède également cet aspect, il apparaît à une échelle beaucoup plus réduite et sous des formes moins programmatique. Ce qui est important pour lui, c’est l’élément de dialogue avec le monde – le monde en tant qu’être, en tant que force primordiale, ce qui le rapproche en partie de Kulik. Ce dernier a traité ces questions à deux ou trois reprises, qui étaient précisément celles-là, les mêmes qui l’ont rendu incroyablement célèbre. Mais c’est là qu’il a fondamentalement arrêté, tandis que Toomik a pu évoluer, comprendre, varier, se connecter à différents motifs imagés et les approprier, ce qui en fait, d’une certaine manière, une grande autorité sur ces sujets. Dans ce sens, aucun des artistes de Moscou ne peut être comparé à lui. Il a tracé son propre chemin, sa propre niche, ses propres problématiques, créant ainsi pour lui une place absolument unique.
L’expérience post-soviétique est, en quelque sorte, très post-traumatique. Dans nombre de ses œuvres, on peut déceler une intention de traiter certaines sortes de traumatismes, non pas nécessairement sociaux ou globaux, mais personnels, qui sont peut-être, en même temps, des réflexions de ces problématiques globales. Oui, oui, j’en conviens absolument. Surtout compte tenu du fait que les pays baltes ont perçu la transformation politique des années 1980–début des années 1990 comme quelque chose de très positif, comme une libération et un retour à l’indépendance tant espérée. Cela se comprend très bien. Cependant, malgré le fait que la conscience sociale n’ait pas perçu cela comme un traumatisme, ce qui était crucial, c’était bien l’expérience même de la rupture de l’ordre établi, l’ordre symbolique qui semblait inébranlable, mais qui avait disparu en un instant. Cette expérience démontre à quel point toutes les constructions symboliques sont fragiles, toutes les hiérarchies symboliques et les repères – à quel point elles ne peuvent couvrir un certain niveau fondamental que Agamben appelle “la vie nue”. À mes yeux, cette familiarisation avec ce niveau basique est très importante pour Toomik. Et c’est ce qui le rend extrêmement intéressant : parmi les artistes de sa génération, il a été le plus capable d'incarner de manière méthodique, émotionnelle et dramatique cette image.
Un homme nu sur une terre nue est une sorte de point de référence pour l’existence, l'ontologie et l'expression artistique – c'est ce qui peut être considéré comme la clé pour comprendre le travail de cet artiste. Toomik est connu pour travailler avec des médias très variés. Cela se retrouve-t-il dans l’exposition ? A-t-elle été construite chronologiquement ? Non, non. Nous avons en fait veillé à ne pas présenter son travail de manière chronologique, mais comme une certaine compilation de motifs, de thèmes clés, une compilation de son univers artistique. Cela rend l’exposition assez inhabituelle car il peut y avoir deux grandes vidéos à côté de ses peintures, qui, à nos yeux, se renforcent mutuellement. Il existe des salles où plusieurs vidéos jouant simultanément se “heurtaient”, permettant au spectateur d’assister au dialogue.
Dans le cas de “Père et Fils”, qui est devenu l'une de ses œuvres les plus populaires, nous le montrons en même temps qu'une vidéo réalisée neuf ans plus tard et qui porte le même titre. Ces œuvres occupent un même espace mais sont présentées à tour de rôle car la succession est ici importante. Quand une vidéo s'arrête, l'autre démarre.
Jaan Toomik. Dans la forêt. 2004
